Baby Horror: ¿Quién dice que el punk es cosa del pasado?

Parecerían salidos de algún filme de horror bizarro como Tideland o la Nosferatu de 1922, pero hablando más mundanamente provienen de esos bares del bajo mundo y pequeños escenarios alternativos de cultura Underground que nunca faltan en cualquier ciudad.

Baby Horror (Annie Baby Pin Up: Bateria y voz , J.Horror: Guitarra y voz y Carlos Lopez: Slap Bass y coros) es un Interesante trio basando en un concepto de horror y cuya música consiste en un punk rock mezclado con Psychobilly, y que nos emula a The Cramps, Misfits, Ramones o a bandas garage como Plan9, e inclusive a Alaska en su época con Pegamoides hace casi 30 años.

El 10 de septiembre de 2008 salió a la venta el nuevo disco de Baby Horror titulado "Ritual" y que mucho trabajo les costó sacar a la venta, con un limitado número de copias reducido a solo 525 unidades. El estilismo gótico está muy cuidado y es un disco realmente muy recomendable para aquellos que creen que actualmente ya no se hace post-punk interesante en español o que todo tiempo pasado fue mejor.

En este trabajo se nota mucho la experiencia de la banda, no hay improvisaciones ni temas de relleno en este trio que viene haciendo ruido en los bares y escenarios más infames desde 1996, y el sonido es mucho más contundente que en sus anteriores discos. Definitivamente, un disco imprescindible del post punk español de la nueva Era.

Se ha anunciado la edición proximamente de este disco en México, así como una probable gira por este país (léase algún toquín en un Club del DF o Monterrey).

01.Planeta prohibido
02.La tierra temblo
03.Mi hijo es un vampiro
04.Luna llena
05.Quiero mas
06.Almas perdidas
07.Reencarnacion
08.Mi sueño
09.Quiero estar muerta
10.Tu oportunidad
11.Las vampiras de la noche amamos el rock'n'roll


Descargar disco "Ritual"

5 de Julio: Abstencionismo No, Voto Nulo SI

Depedro: Vida fronteriza, melancolía y sueños rotos hechos música

Éste podría ser fácilmente uno de esos álbumes que incentivan los últimos movimientos suaves después de una ardua noche de copas. Esos bailes lentos en medio del ritmo oscuro de las tabernas y los bares. La melodía envuelve, relaja e invita a caer en el trance de la guitarra y una voz acogedora, con el cobijo de la madrugada, calles húmedas y las estrellas.


“Depedro” es un proyecto musical de Jairo Zavala, quien ha desarrollado su carrera como músico de sesión acompañando a grupos como “Amparanoia” y “Calexico”. Fue esta última banda, reconocida como una gran exponente de la música mestiza e independiente mundial.

El guitarrista madrileño de voz carrasposa nos entrega una variedad de estilos en las 11 canciones del disco. En varios temas se ve una propuesta instrumental que confirma la idea de representar la música americana y latina. La versión que realiza de nuestro tema popular mexicano Itsmeño "Llorona" es impecable.

Las sensaciones se entrecruzan en este disco tanto como la guitarra con el piano y el ritmo del bajo. Ese impecable sonido acústico, casi de club de jazz, nocturno y de secano, con una voz cómplice y unos elegantes y sencillos momentos, con los que Jairo Zavala mantiene ese tono fronterizo ilegal, de espalda mojada, con canciones de gente que no sabe muy bien lo que les depara el destino pero sí dónde y quiénes son los otros, los que pisan de tacón, gente que encuentra en estos estribillos un hombro solidario donde descansar.

El disco (editado en 2008) abre con la canción “Como el viento”. La melodía sube de intensidad lentamente, llegando a un coro pegajoso, muy representativo de las canciones de Zavala. La letra en este tema es de esas fáciles de aprender. No extraña, después de escucharla, andar por la calle recordando a “Depedro”.

Dentro de las canciones destaca “Don't leave me now”. Con una introducción plagada de instrumentos conjugando un sonido potente, cantada por partes en inglés y en español, la letra se suma al estado de ánimo que lleva el disco, en un paseo por el ritmo del trasnoche, el desamor y sus consecuencias. Otro tema impecable y para tomar en cuenta es "La memoria"

01. Como El Viento
02. Don't Leave Me Now

03. La Memoria

04. Two Parts In One
05. La Llorona
06. Te Sigo Soñando
07. Comanche
08. ¿Qué Puedo Hacer Por Ti?
09. Equivocado
10. Tomorrow
11. Miguelito

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Cine Online: Una historia del Bronx

Una historia del Bronx (también conocida como Un cuento del Bronx) es una película de 1993 y es de aquellas que no tienen fecha de caducidad. Yo la recomiendo a todos mis amigos, enemigos, primos, anexos y a uno que otro gilipollas que tengan hijos adolescentes y que la vean con ellos si ya se ven en ese conflicto generacional-donde ya reciben el duro adjetivo de parte de sus hijos como unos "perdedores y conformistas" y que no son como "tal o tal"-. Sobre todo cuando la chaviza está completamente embrutecida siguiendo las modas y parámetros de televisa, Telehit, MTV, retiros religiosos, grupos evangélicos, cine hollywoodero y demás sandeces que solo los dejan más desorientados (pero en las cloacas y alcantarillas aun suenan las bandas punks para despertar las conciencias, ahora que la música difundida es la que se resume a festivales de móviles y cervecerias, con músicos de moda influenciados sólo por una que otra bandita también de moda). Conozco gente que si no le otorga 500 pesos al hijito para que vaya al concierto de Panda, este amenaza con "suicidarse". (¡Qué buen chantaje!). Ya que están convencidos de que estas amenazas hay que tomarlas muy en serio, ya que asi lo repite el Dr. Lammoglia en su espacio del "Chou de radio fórmula".

En "Una Historia del Bronx" el gángster Sonny (Palminteri) es el rey del barrio del Bronx donde vive Calogero (Lillo Brancato). Un tiroteo, presenciado por Calogero, se convierte en el inicio de una duradera relación entre el gángster y el pequeño. Lorenzo (De Niro), padre del Calogero, un honrado y modesto conductor de autobuses, no aprueba esta relación entre su hijo y el mafioso. El muchacho crece bajo la protección de los dos hombres, dividido entre la honestidad natural de su padre y su fascinación por Sonny, aunque la vida en el Bronx no es nada fácil, y al final tendrá que decidir por sí mismo entre dos opciones: seguir los consejos de su padre, o atajar hacia el dinero fácil por la oscura senda del crimen organizado, liderada por un fascinante Sonny.

Robert de Niro debutó en la dirección con esta magnífica película que desprende un encanto especial; un relato que comprende todos los aspectos claves de la infancia y juventud: amor, amistad, aprendizaje y familia, envuelto en el atractivo, violento y contradictorio mundo de la mafia. Una excelente ópera prima de modestas pretensiones pero magistrales resultados, sobrada de talento para emocionar, conmover y añorar.

Una historia del Bronx (A Bronx Tale)
Reparto: Rhaman Thomas, Derrick Simmons, Steve Kendall, Jason Meighan, Demond Webber, Robert D'Andrea, Pat Vacaro, Joe Laham, Joe D'Onofrio, A.J. Ekoku
Director: Robert De Niro
Duración: 01:55:00
Estreno viernes: 1 enero 1993

La película es larga (casi 2 horas) pero no tiene desperdicio.

Trainspotting

Trainspotting es una película escocesa de 1996 dirigida por Danny Boyle y basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Sus protagonistas son un grupo de jóvenes desesperadamente realistas —ni se les ocurre pensar en el futuro: saben que nada o casi nada va a cambiar—, habitantes del otro Edimburgo, el que no aparece en los famosos festivales, capital europea del sida y el paraíso de la desocupación, la miseria y la prostitución, embarcados en una peripecia vital cuyo combustible es la droga, «el elixir que les da la vida, y se la quita».
Welsh escribe en el aspero, colorido, vigoroso lenguaje de las calles. Y entre pico y pico, entre borracheras y fútbol, sexo y rock and roll, la negra picaresca, la epica astrosa de los que nacieron en el lado duro de la vida, de los que no tienen otra salida que escapar, o amortiguar el dolor de existir con lo primero que caiga en sus manos.

La filosofía de vida que presenta el personaje principal, Mark Renton, se resume en una pregunta: ¿para qué elegir vida? Renton señala al principio de la película que seguir a la masa y llevar una vida normal es complicado. Es decir, el adicto no trabaja, no tiene pareja, no tiene responsabilidades ni moral, solamente tiene que preocuparse de conseguir lo que pueda vender para costear él mismo su adicción. Por lo tanto, no se estresa, no tiene peleas amorosas, y es bastante individual. Sin embargo, con el pasar del tiempo, se da cuenta de que no puede estar sumido en un destino circular, y decide ser útil. La conciencia de Mark es Diane, quien señala en una escena que todo va cambiando, incluidas la música y las drogas, y que él no puede seguir en ese estado, se percata de que está envejeciendo. Renton señala que la gente cree que la drogadicción es sólo un mundo de miseria y desesperación, pero lo que muchos olvidan es el placer.

La película causó controversia en su tiempo, pues se decía que fomentaba el uso de drogas entre la juventud. La cinta está declarada como una de las cinco mejores películas británicas de todos los tiempos. Fue un auténtico bombazo tanto por su estética como por su contenido, y es allí donde brilla la película cuando se fusionan una estética que marcaría época y unos diálogos atrevidos y certeros pues nunca se había tratado de un modo tan crudamente humano el tema de las drogas.

Trainspotting es considerada una de las películas de culto de los años noventa.

La banda sonora incluye temas de Lou Reed, David Bowie, Heaven 17, Blur, Joy Division, New Order, Brian Eno, entre otros.

Aquí pueden ver la película en excelente resolución, pero también esta la opción para verla en Megavideo.

Glutamato Ye Ye y Holocausto Caníbal

Glutamato Ye Ye era un grupo de la movida madrileña,cuyas grabaciones me llegaron a mediados de los 80's. Su líder Iñaki tenía notoriedad por tener una imagen estilo Hitler, aunque a decir verdad yo siempre creí que emulaba a Charles Chaplin. Sin embargo, el Glutamato en una canción, hacía referencia a la película italiana "Holocausto Caníbal". Un filme gore de 1980 y que está catalogada entre los 20 filmes más malditos en la historia del cine. Otro de ellos es "Freaks" del cual hablamos en meses anteriores, ya que bandas como Ramones y Orquesta Mondragón le hacían referencia. Así que me lancé a la caza de la mencionada producción italiana, en aquel mundo sin internet de los 80's.


En Holocausto Caníbal nos encontramos ante una de las películas más polémicas y a la que, posiblemente, rodea una mayor leyenda del mundo del cine; trata de un grupo de periodistas de guerra, famosos por obtener las imágenes más impactantes, que viaja a un poblado de caníbales del Amazonas. Ante la tardanza de los reporteros, su cadena de televisión decide enviar un segundo grupo de rescate para que, por lo menos, recupere las imágenes que grabaron, y ahí es donde empieza la leyenda que, sin duda, se ha magnificado: sus compañeros ven, horrorizados, cómo el grupo se dedicó a hacer todo tipo de vejaciones a los habitantes del poblado: torturas, violaciones, etc. Y cómo éstos se vengaron pagándoles con la misma moneda, hasta que los matan a todos.

La originalidad de la película reside en que presenta las imágenes en forma de documental, como si hubiera ocurrido en realidad, lo que provocó gran alarma entre los espectadores. Incluso hubo una revista española que habló de ella como una snuff-movie, también he oído a gente decir que "¡ahí matan a la gente de verdad!" (si alguien te dice ésto, o no ha visto la película, o tiene una edad mental de cinco años), pero nada más lejos de la realidad: las únicas muertes reales son las de los animales (no humanos), la película es de 1.979 y todavía no estaba en vigor la ley contra el maltrato animal en las películas.

Tras ver la película se nos plantea la duda de si es una crítica a la banalización y demasiada presencia de imágenes violentas en los medios de comunicación ( cuando uno de los miembros del grupo de rescate le dice a una responsable de su televisión que no pueden emitir esas imágenes ésta le responde: "Esto es lo que quiere la gente") o una simple recreación en escenas sangrientas para conseguir notoriedad; sea lo que sea, es una película que NO ES RECOMENDABLE para gente sensible ni menores de edad.

Naturalmente una producción tan dura como ésta conlleva bastantes datos anecdóticos que paso a comentar a continuación:

- La revista española "Interviu" llegó a afirmar que las imágenes eran absolutamente reales.
- Circuló el rumor de que antes de presentarla en cine la productora retiró una escena en la que un nativo era devorado por pirañas, se dice que era 100 % real... Pero el peligro de morir devorado por estos peces en el amazonas no es fantasia.
- La película actualmente está prohibida en Finlandia y Australia, anteriormente lo estuvo en Noruega, Alemania, Inglaterra, Francia, Italia, Corea, Holanda y Japón, incluso en Estados Unidos fue considerada (incomprensiblemente) como X.
- Los animales que mutilan en la película son realmente asesinados, se observa claramente como matan y trocean a un mono o una tortuga entre otros...
-El director tuvo proceso judicial ya que se pensó que en realidad había matado a los actores. Tuvo que llevarlos con él para demostrar lo contrario.
- La película está filmada supuestamente por los mismos actores cámara en mano. Hace unos años otra producción "El proyecto de la Bruja de Blair" intentó hacer lo propio pero con escaso resultado ya que se trataba de una pésima película.

Puedo afirmar que "Holocausto Caníbal" se trata de la película más salvaje y brutal que he visto en mi vida, un claro ejemplo de ello es que a pesar de haberla visto hace unos veinte años aún la recordaba, por ello me decidí a visualizarla de nuevo y les garantizo que la experiencia volvió a ser durilla. Este film es un título mítico dentro del cine gore pero afortunadamente con una trama más interesante que las producciones típicas del género.

En resumen, "Holocausto Canibal" es un film que merece la pena pensárselo dos veces antes de verlo. Si eres aprensivo u odias la sangre, si tienes el estómago muy sensible sería recomendable que te olvidases de su visualización porque las secuelas que puede provocarte la película serán considerables: violaciones, mutilaciones de animales y personas, palizas, etc... se suceden a lo largo de la producción, aunque claro si quieres vivir una "nueva" experiencia, disfrutar de la maravillosa selva amazónica y sobre todo ver un producto diferente al resto esta es tu película.
Recomiendo leer el tema de la misma en wikipedia.

VER PELICULA Doblada al castellano (SE RECOMIENDA DISCRECION).
Pd. En Steren pueden comprar un cable de Lap top a televisor de LCD (pídanlo como cable HD15 a HD15), además de un cable de audio y poder ver cualquier película de Megaupload en pantalla de TV. Aunque en el audio pueden mantener las bocinas de su computadora personal.


Ficha técnica
Dirección Ruggero Deodato
Ayudante de dirección Salvatore Basile
Producción Franco Di Nunzio
Franco Palaggi
Diseño de producción Massimo Antonello Geleng
Guión Gianfranco Clerici
Giorgio Stegani
Música Riz Ortolani
Fotografía Sergio D'Offizi
Montaje Vincenzo Tomassi
Efectos especiales Aldo Gasparri
Reparto Robert Kerman
Francesca Ciardi
Perry Pirkanen
Luca Barbareschi
Salvatore Basile
Ricardo Fuentes
Carl Gabriel Yorke
Paolo Paoloni
Lionello Pio Di Savoia
Luigina Rocchi
Datos y cifras
País(es) Italia
Año 1980
Género Terror
Duración 95 min.
Idioma(s) inglés
español
Compañías
Productora F.D. Cinematografica
Distribución United Artists
Presupuesto $200.000[1] (estimado)
Ficha en IMDb

Rescatando discos de la otra música de México: "Tocata, fuga y apañón" de Armando Rosas y la Camerata Rupestre

Siempre he alabado al sello PENTAGRAMA. Su aportación y apoyo como productora discográfica de esos talentos del país que no son del estilo, imagen y concepto de las radio y tele fórmulas es innegable y se agradece. El pelo en la sopa es que el sello no rescata esas grabaciones de hace dos décadas y que aún suenan como si fuesen de hoy.

Agustín Aguilar Tagle (Mama-Z) me comentó en su blog que a las disqueras no les conviene realizar reediciones de trabajos antiguos. Yo creo que es cierto, pero las nuevas tecnologías permiten que algunas disqueras comercialicen ese material y los melómanos amantes y estudiosos del talento nacional pudiéramos recuperar esas grabaciones.

Mientras PENTAGRAMA lo piensa y se sigue tardando en vender en línea y en MP3 muchas de sus extraordinarias producciones descatalogadas, hoy cuelgo en línea para los amantes del rock nacional y concretamente de aquel género denominado "Los Rupestres", un disco que para mi tiene un significado especial. Un disco que no es de recuerdos, sino que se disfruta y se vive con el hoy.


El disco corresponde al rockero, blusero, trovero, baladista y músico de conservatorio Armando Rosas. Quien desde este disco y hasta su nueva produccion de 2008 Ryhthm & Pango, jamás nos queda a deber.
En el post anterior que realicé de Armando, mencioné que sus discos se asimilan mejor si alguien ha vivido o conoce la vida en la Ciudad de México. Tengo razón y no, porque creo que en cualquier población del país se pueden tener las vivencias cantadas en este extraordinario trabajo, que contiene metáfora y corridos. Todos envueltos en una música excelente.

Con una portada realizada por Rafael Barajas "El Fisgón", La Camerata Rupestre formada por los excelentes músicos:
Javier Guillén "El paparrín"-Violín
Jorge Amador - Cello
Ignacio Alfonso - Flauta, armónica y voz
Francisco Natera - Bajo y coros
Antonio Morales - Batería y percusión

y con los grandes apostadores por la música alternativa de este país Rodrigo de Oyarzabal y Modesto López en la producción, Armando Rosas en "Tocata, fuga y apañón" nos lleva de viaje 20 años atrás y 20 años adelante en este extraordinario trabajo

01-Murió soñando
02-La distancia tiempo
03-Herraje
04-La antitesis del amor
05-Canciominima No.1
06-Cisne

07-El Blues de la vecina

08-Tocata, fuga y apañón
09-El papalote
10-Quizás
11-Es puro ardor

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VOTA EN BLANCO 5 DE JULIO-CIUDADANOS EMPODERADOS

Santiago Pando: México Tiembla de Miedo

Miedo a perder lo que nunca hemos ganado…

Tenemos miedo. Mucho miedo.
Miedo a la verdad. Miedo a que la verdad se vuele y se instaure como gobierno.
Miedo a que lo que sentimos sea cierto. Miedo a lo que ya vemos y todavía no se ve. Miedo a lo que se escucha por dentro de uno. Miedo de verdad.
Miedo a que el sistema se acabe de derrumbar antes de construir uno nuevo.
Miedo a la responsabilidad. Miedo a no tener a quién echarle la culpa.
Miedo a perder lo que nunca hemos ganado. Miedo a perder la inseguridad que no nos deja dormir en paz.
Miedo a perder las Instituciones que velan día y noche por nuestro malestar.
Miedo a perder la injusticia social ganada a sangre y fuego desde la revolución.
Miedo a perder el discutible gusto de tener en la tele a López-Dóriga y a Adal Ramones.
Miedo a perder las limosnas del Gobierno en turno.
Miedo a perder la posibilidad de escoger entre a los que ya no queremos y a los que ya no soportamos. Miedo a que se acabe la democracia del miedo.
Miedo a perder el privilegio de vivir en el país donde el crimen organizado organiza al gobierno y sus leyes.
Miedo a darnos cuenta. Miedo a romper el espejo y cambiarlo por una ventana.
Miedo a que sea mentira la que fue verdad, miedo a que sea verdad la que no es mentira.
Miedo a lo que está por saberse.
Porque pocos lo saben todavía, pero México atravesó el espejo en el 2000.
El espejo del pasado dejó de reflejarse en el futuro desde entonces.
Ese espejo es el viejo sistema. Y ese sistema es tan solo un conjunto de viejas creencias. Creencias que se hicieron ley a fuerza. A fuerza del miedo al monstruo, al sistema que hoy agoniza.
El pasado fue derrotado por su propia mirada. El PRI se derrotó a si mismo. Al igual que el PAN y el PRD.
Fox se mordió su prozáica lengua. La Malinche moderna le embrujó su veneno.
La soberbia de López Obrador lo hizo insufrible, la insipidez de Calderón lo volvió incoloro. Todos perdieron, nadie ganó. Eso es precisamente lo que nos da miedo: la orfandad.
Nos da miedo cambiar. Nos educaron, de manera pública, laica y gratuita, para ser conservadores y obedientes.
Nos da miedo un cambio tan brusco, pasar de cómodos obedientes de un sistema de creencias a ser los pilotos de una nueva nave de conciencia, no es cualquier cosa. Pero ya es inevitable, ya hicimos el cambio.
Y nos da miedo saber lo que hicimos.Nos da miedo la responsabilidad que conlleva. Nos da miedo reconocer que no sabemos si tenemos el valor que se requiere.
Nos da miedo volar solos. Nos da miedo volar y punto. Porque nos dijeron que no podíamos volar.
Y nos dijeron que la verdad es letra muerta que viene del pasado y resulta que la verdad está viva, y es nuestro presente.
Nos dijeron que los ciudadanos no contamos y mira todo lo que provocamos.
Nos dijeron que no hay más verdad que la oficial y resultó ser una mentira de oficio. Nos dijeron tantas y tantas mentiras que nos da miedo la verdad.
Porque la verdad es luz que vuela con nuestros pensamientos. Y la luz se encendió. Y la luz es aire puro. Y la luz los desnudó. Y la luz no se detiene hasta encenderse en el cielo a todo color. La luz es el fruto de la resistencia.
La resistencia de millones de corazones rebeldes. Corazones abiertos de par en par, cual ventanas mirando hacia delante.
El México de los espejos está roto.
El espejismo se cuartea, la vieja lógica se corta las venas, el viejo sistema se desangra públicamente.
El miedo los tiene invadidos por dentro. Quieren correr pero no pueden.
Quieren huir pero no tienen a donde. Quieren esconderse pero son demasiados.
Quieren actuar como si no pasara nada, pero es imposible: ya todos sabemos que son ellos los culpables de todo lo que está pasando.
Y mira que está pasando de todo. Y mira que son todos ellos.
Están exhibidos, la luz ha convertido su actuar en un aparador. La política está en barata y descontón. Y la luz no se detiene, sigue volando la imaginación. Por eso retiembla en su centro la Tierra.
Si eres uno de los corazones rebeldes, no tengas miedo.
Mejor desnuda tu mirada y atraviesa lo que queda del espejo.
Del otro lado esta el México imaginado por tantos y para todos.
Abrir los ojos es perder el miedo y echar a volar la imaginación.
Miedo a perder lo que nunca hemos ganado…

Bienvenidos: Disco homenaje a Miguel Ríos

El legendario rockero granadino se retira de las giras y los discos, pero seguramente seguirá muy cerca de la música.

Hoy y a sus 65 años recien cumplidos con el disco "Bienvenidos", importantes cantantes de su patria le rinden un disco homenaje el cual pueden descargar en la link de la Enciclopedia del Rock en tu idioma.

CD1
M Clan - Santa Lucía
Pereza – Rocanrol Bumerang
Loquillo -Yo Solo Soy Un Hombre
Rebeca Jiménez - Reina De La Noche
Bunbury - Un Caballo Llamado Muerte
Revolver -Todo A Pulmón
Amaral – Vuelvo A Granada
Quique González -El Ruido De Fondo
Mikel Erentxun –Sal Fuera De Ti
Jorge Salán - Generación Límite
Rosendo - El Sonido De La Ciudad
Iván Ferreiro -Reina De La Noche
.
CD 2
Joaquín Sabina -Raquel Es Un Burdel
Los Secretos – El Blues Del Autobús
Celtas Cortos - Año 2000
Joan M. Serrat – El Río
Ana Belén – Directo Al Corazón
Chambao – La Luna Turca
Javier Ojeda - Mientras El Cuerpo Aguante
Javier Ruibal – No Mires Hacia Atrás
Mojinos Escozíos -Al Andalus
Seguridad Social - El Rock De Una Noche De Verano
Víctor Manuel – El Blues De La Soledad

M-Clan
Santa Lucía
M-Clan - Santa Lucia

Este 5 de Julio...

http://www.votaenblanco.org.mx/

(cada vez somos más quienes ya ponemos a temblar a la partidocracia)

Prometeus La Revolución de los medios

Interesante vídeo con un panorama muy negro (para los medios), pero a la vez realista que predice la muerte a corto plazo de empresas de televisión abierta y radiofórmulas , monopolios musicales como MTV, disqueras, prensa escrita y anexos.
Y no es ciencia ficción, simplemente porque la Revolución de los Medios ya empezó, cristalizando ese sueño rockero y Hippie de los años 60's para darle poder a las masas.

Atención con la referencia a Prometeo: hablamos del Titán que robó el fuego de los dioses y lo dio por amor a los mortales. Prometeo, en griego antiguo, significa prospección, previsión. Una visión preclara de las cosas.

Prometeus - La Revolución de los Medios


Prometeus - La Revolución de los Medios (Parte 2)

El Hombre Delgado y Los Desastres Naturales

El músico y escritor Sevillano Fidel Moreno quien bajo el seudónimo de El Hombre Delgado, el mismo que en performance representa a ese singular personaje que se gana la vida "sin necesidad de pagar alquiler y que vive del aire", editó en 2008 su segunda producción discográfica titulada "El Hombre Delgado y Los Desastres Naturales"

El artista Sevillano de 35 años nos presenta un grueso disco-libro que adosa «una novela desastrada y 13 canciones huracanadas» que van desde el neoflamenquito cálido al prurito de cantautor urbano sabiniano que loa a la precariedad. Los temas van ilustrados por artistas plásticos como Rogelio López Cuenca, Abraham Lacalle, Miki Leal y Juan del Junco.

“Cuando uno propone algo al mundo en el orden musical o literario, plantea una propuesta dentro de un orden social. El mundo es el que es, lamentablemente, pero hay cierta libertad para situarse de una manera u otra. Yo elijo este proyecto vital, y hay muchos hombres delgados por ahí”. Fidel Moreno

Tracklist:

1. La Visita de la Muerte 3:47
2. Amargo Remedio 3:32
3. No Pasa Nada 4:36
4. Yo No Quiero Más Que Ser feliz 3:58
5. Agua de Mayo 4:43
6. Muerte y Resurección del Hombre Delgado 3:58
7. Que Casualidad 4:07
8. A La Deriva 3:50
9. La Casita de Papel 1:30
10.Un Fuerte Huracan Lleva Tu Nombre 3:59
11.Hay Cosas Que Se Acaban 4:12
12.Vuelvo a Madrid 4:10
13.Pasen y Vean 3:33


Para quienes viven fuera de España, aquí pueden descargar la nueva producción de Fidel Moreno, y conocer un poco de su historía, ideología, convicciones, tendencias musicales, opiniones y perspectivas en el post que realicé de él el año pasado (leer post).

Link de enlace para descarga: Cortesia del blog "Sangre Española" a cargo de Polarbears & Maryguana

La Otra Música de Mexico: "El corazón por delante" nueva producción 2008 de Guillermo Velázquez y los Leones de la Sierra Xichú

Hace 18 años cuando me topé por primera vez en las librerías de Cristal con los discos del Guanajuatense, ex seminarista que renunció a esa vocación y hoy huapanguero Guillermo Velazquez y su Banda Los Leones de la Sierra Xichú, no imaginaba que había conocido a uno de los mejores exponentes de nuestra música popular.

Para un adolescente en efervescencia Punk Rock, tener de repente un interés por el huapango no era un movimiento lógico. Algunos colegas me hablaban de música salsa puertorriqueña con denuncia social (algo que no tenían las canciones de la faramalla "Rock en tu idioma" de Ariola), pero jamás me la presentaban y el que se animaba ponía cosas de Juan Luis Guerra (que ni era salsa ni de Puerto Rico...en fin).

Anteriormente músicos como Rockdrigo González, Roberto González o Armando Rosas me habían demostrado que el rock podía fusionarse con el huapango, un género popular que también se conoce con el término "son huasteco". En un principio existía la diferenciación entre los términos, siendo los huapangos las canciones con letra fija y los sones huastecos las piezas para trovar, para echar versos.

Se toca en las regiones Huastecas de los estados de Veracruz, Hidalgo, San Luis Potosí, Tamaulipas, Querétaro y Puebla.

El origen del huapango se remonta al siglo XVII, y es producto de la fusión de las tradiciones musicales de los indígenas nativos del lugar con la instrumentación propia de los europeos. En el caso del huapango, estas influencias se observan en la instrumentación, la rítmica de 6 por 8, el canto con falsete y el zapateado sobre tarima que juega un papel importante en la composición musical del género.

A partir de la década de 1990, el huapango ha sido objeto de la reivindicación cultural de los nativos de la Huasteca: las estaciones indigenistas de radio recopilan las ejecuciones de los grupos indígenas de la región; se celebra anualmente un encuentro de huapangueros en alguna de las localidades de la Huasteca (el primero fue en Querétaro), siendo el más importante el que se realiza año con año en San Joaquín, municipio del mismo estado, considerado por conaculta el evento más importante de esta categoría, sólo después de la Guelaguetza, y los tríos han comenzado a producir material y a realizar giras internacionales para promocionar el género.

El Huapango, por ser un ritmo muy falsado (es decir, que en cada 3/4 de compás se marca el falsete) nos indica que la raíz del flamenco, con ese particular cante jondo, puesto que su herencia en el marcado del ritmo es abundante, aunque en el caso de la melodía, formada por una escala en C mayor, hace que el acorde marcado sea armónico al sonido producido por la Jarana y que se una al ritmo marcado por la Quinta Huapanguera.

Volviendo al tema inicial, los huapangos de Guillermo Velázquez y los Leones de la Sierra Xichú vuelven a toparse conmigo dos decadas después de que perdí sus vinilos cuando tuve que sacrificarlos y enviarlos a Pamplona (en el País Vasco) en uno de mis intercambios culturales de aquellos días, donde por cierto causaron buenos comentarios cuando mi amigo Marco los programó en "eguzki irratia".

"El huapango no es mi único credo, soy una mezcla de herencias entre Marcos, El Santo y Pancho Villa; no soy un folk obscurantista, todo lo que se cruza en mí, tiene cabida: luna y sol, dios y diablo. Del rock a la palabra y de la palabra al son..." Guillermo Velazquez

El corazón por delante es la producción 2008 de este gran músico mexicano, y yo lo escucho igual que hace dos decadas: La irreverencia intacta, la denuncia al máximo nivel y una descripción cantada y poética del difícil entorno actual del país.

Muy recomendable para descargar, y demostrar que en este país la cultura musical no está perdida. También pueden conseguir sus discos en las librerias Gandhi.

1.-¡Que se alegre el corazón!
2.- Yo soy de la Sierra Gorda

3.- Me voy, me quedo...
4.- Me la vivo Travesiando
5.- Consejos a los norteños
6.- Carta de entrega inmediata
7.- El Danzante
8.- Mi Carcachita
9.- A proposito del Narco

10- A Tetracanto

Datos complementarios:
Aunque sus presentaciones iniciaron en fiestas y bailes populares, su currículum incluye toda clase de eventos como el Festival Internacional de la Paz y la no Intervención (1983), el Festival de la Cultura Latinoamericana (1984), Festival Internacional Cervantino en diversas ocasiones, y el Festival Internacional de la Raza (1984, 1986).

En el extranjero, actuó en el Festival Mundial de la Juventud y los estudiantes (Moscú 1985), en el Primer Encuentro de Trovadores del Caribe (Puerto Rico, 1988) y fue invitado por el African Asociation For Literacy an Adult Education, en 1989, para estar en diversos foros de Kenia, Tanzania, Mozambique, Zambia y Zimbabwe. En 1990 realizó una gira por Inglaterra y Portugal, auspiciada por World Circuits Arts.

Su música ha sido interpretada en programas y circuitos de difusión cultural de diversas instituciones culturales del país, y a la fecha cuenta con 24 discos de larga duración, dos de ellos realizados con Óscar Chávez.

Rescatando discos de la otra música de México: "70 Centavos para un compa" de Arturo Meza

Como he mencionado en anteriores post, el músico contemporáneo mexicano Arturo Meza es uno de los más prolíficos (más de 30 discos editados y casi una docena de libros de su autoría), y paradojicamente es uno de las menos conocidos y reconocidos por su trabajo en un país donde existe cierto público que conoce muy bien a grandes rockers, poetas y cantautores españoles y argentinos, pero desconoce que aquí en el patio tenemos a verdaderos artistas como Arturo, con calidad musical, identidad y sobre todo, lejos de la línea de las disqueras.

Arturo Meza es un músico radical. ¿En que sentido? pues que es de los pocos que pueden presumir de poder editar lo que le da la gana y cuando le da la gana, ya que él mismo se encarga de producir, editar y distribuir sus trabajos, sin permitir influencias de productores, disqueras, modas, "conceptos", imagen o tendencias.


Un total de 16 temas componen el trabajo 70 centavos para un compa y lo podría considerar un disco conceptual, debido a que trata de la pobreza, alcoholismo, el sometimiento indígena, situaciones humanas, iglesia atrapando autómatas, hipocrecía y diversos temas. Todos escritos bajo la poesía urbana y cruda del músico oriundo de Tocumbo Michoacán y denominado "El poeta de ningún lugar".

Debido a que este disco es buscado por una buena cantidad de seguidores de Arturo y por gente joven que ha descubierto su música, y que por lo visto no se puede conseguir en ningún lado (ni en la misma web del michoacano), me he permitido colgar este trabajo, el cual es un buen disco para la reflexión, en un país donde la pobreza gana cada vez más terreno, la desinformación es la que manda y causa sensación, y los medios nos pintan un disneylandia de país.

Ignoro el año de la edición (el disco no la señala), y solo puedo decir que el disco lo compré en abril de 1994 en una visita a Chiapas y donde tuve que pasar 40 retenes militares antes de llegar a Tuxtla en donde mi amigo, locutor y Rockólogo tuxtleco Daniel Trejo, ya había montado su pequeña tienda de discos alternativos. En un país donde ya se podía asesinar a curas de altas esferas, candidatos presidenciales, altos funcionarios de gobierno y montar el respectivo show televisivo, mientras nos preparaban le debacle económica con los "errores de diciembre" y un país que no aprende de los engaños y falsas promesas de los megalómanos sexenales.

Descargar "70 Centavos para un compa"
01 - Solo estaban jugando a matarte
02 - 70 centavos
03 - Flor de canto de primavera a la deriva
04 - Lenguas viperinas
05 - Un tipo solitario

06 - La última batalla
07 - Un poco de música para tu corazón
08 - Estado de sitio
09 - Suele suceder
10 - Para un compa
11 - En el hambre, en el frio y en el pan
12 - Tierra de hipócritas
13 - Sisifos
14 - En blanco y negro
15 - El blues del rock and roll

16 - Sombras
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Antes de irme y checando la web de Meza, me he topado con la noticia de que ha editado su onceavo libro, cuya información transcribo integra de éste artista alternativo:

Onceavo libro en la línea narrativa de Arturo Meza. Incluye en esta primera edición el álbum NOD y un apartado con los textos de los temas

¿Puede una criatura sanguinaria - que manda pasar por filo de espada a poblaciones enteras, que manda pestes, que divide y discrimina razas, que amenaza con asesinar a primogénitos en toda la faz de la tierra, que tiene favoritos, que chantajea a patriarcas y somete con violencia y miedo, - considerarse Dios? ¿Qué pensarían los ángeles, querubines o arcángeles de un ser de esta magnitud?, ¿Colaborarían con él? ¿Serían cómplices de tamañas abominaciones o le enfrentarían bajo el argumento de que el Amor no amenaza ni somete ni intimida ni tiene favoritos ni mata sino que educa, guia, fortalece y ama? ¿Quién era ese Jehová, señor de los ejércitos o ese Yahvé tan solícito y presto a la violencia?, ¿Por qué era tanto su odio al sedicioso y rebelde Luzbel o Baal (Señor) quien aún padeciendo un exilio de tinieblas seguía siendo atormentado y perseguido por las huestes que se decían divinas? ¿Quien era ese tal Luzbel? ¿Cual fue realmente el motivo de su expatriación?, ¿Cuáles sus argumentos de sedición? ¿Cual fue la reacción de Mikael, de Gabriel, de Raphael, de Uriel o de todos los demás servidores de la luz eterna?.

El poeta inglés John Milton nos dio una versión, Arturo nos muestra otra, quizá bizarra o clarividentemente intuitiva pero esencialmente amorosa.

Arturo exorciza no al supuesto mal en la figura de Luzbel sino al supuesto bien en las figuras de Jehová y Yahvé.

Este himno sacrílego en forma de libro es una valiente invitacion a los nuevos inquisidores y al mundo entero a detener las estúpidas guerras de los unos contra los otros.

contacto: arturomeza@poetic.com